Poesí­a eres tú (revista)

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Aixa Ballesteros “Mi entorno y vivencias son gran parte de lo que me inspira para escribir de manera poética y bastante explícita”

 

  1. Aixa, enhorabuena por la publicación de tu primer poemario. ¿Cómo surge “Mi cocina es de butano”? ¿Qué te empujó a compartir estos poemas que, según cuentas, habías mantenido en la intimidad durante tanto tiempo?

 

Surge después de leer todo lo que tenía escrito desde hace tiempo y darme cuenta de que compartía un hilo conductor bastante autobiográfico. Siempre he escrito por necesidad de canalizar emociones fuertes en un espacio sin juicio. Por eso, se creó como algo íntimo. Pero, este último año he roto con tantas cosas de mi vida que he decidido exponer todo esto para reafirmarme a mí misma de dónde vengo y dejarlo registrado de una manera bonita y compartirlo para trabajar el miedo al juicio.

 

  1. En el libro hablas de tus raíces entre el País Vasco y Galicia, y ahora vives en Madrid. ¿Cómo ha influido este cambio geográfico y vital en tu escritura? ¿Sientes que la distancia te ha permitido mirar tus orígenes de otra manera?

 

Este cambio de región me ha servido para darme cuenta de que utilizo constantemente mi entorno para escribir y crear conceptos poéticos para expresar lo que siento. Con lo que el cambiar de lugares y combinar esa sensación de pertenencia me permite generar nuevos conceptos de manera orgánica.

 

  1. Hay una presencia muy fuerte de la figura de la abuela y la madre en tus poemas. ¿Qué papel juegan estas mujeres en tu construcción como persona y como poeta?

 

Mi entorno y vivencias son gran parte de lo que me inspira para escribir de manera poética y bastante explícita. Toda mi vida he estado muy cerca del sufrimiento y de las alegrías tanto de mi madre como de mi abuela que en cierta manera se vuelven también mías propias. Por ello, creo que ha influido mucho en mi persona y por ende en mi poesía, pero no sé decirte exactamente de qué manera. Creo que me ha enseñado a observar el dolor mío y ajeno y a reflejarlo en la poesía de una manera menos hostil que la realidad.

 

  1. Tu poesía tiene un lenguaje muy directo, a veces crudo, que recuerda al rap y a la cultura hip hop. ¿Cómo ves la relación entre la poesía tradicional y estas nuevas formas de expresión urbana? ¿Crees que hay fronteras entre ellas?

 

Sí, eso es. Mis referencias poéticas principales siempre han sido desde el rap y luego a posteriori llegaron poetas como Piedad Bonnett o Rosalía de Castro. Desde mi punto de vista y como yo vivo la poesía la única frontera entre escribir de una manera u otra es el contexto. Por ejemplo, Rosalía de Castro estaba influenciada por una problemática político social donde ella ejercía un activismo claro a través de una poesía menos explícita que una canción de Gata Cattana. En cambio, a Gata Cattana a todo eso se le sumaba la influencia de la llegada del hip hop a la península que empezó a ofrecer escrituras más directas y explícitas sin necesidad de saber lo que es poesía.

Todo esto, lo menciono como una visión general ya que finalmente hay poesía tradicional muy explícita y canciones de rap muy poéticas, pero creo que lo mencionado anteriormente es lo más que caracteriza a cada uno de ellos.

 

  1. El gas butano aparece como una metáfora recurrente en tu obra. ¿Qué simboliza para ti? ¿Por qué elegiste este elemento tan cotidiano como hilo conductor de tu poemario?

 

Para mí significaba desde muy pequeña una diferencia notoria con las personas que tenían aparentemente menos dificultades que mi familia. Todo el mundo tenía vitrocerámica, calentador eléctrico y calefacción menos nosotros. En casa siempre olía al gas porque en el norte hace mucho frío y nuestra manera de sobrellevarlo era llenando todo de estufas de butano. Recuerdo que a veces te picaban los ojos y siempre me daba mucho miedo de que explotara entonces es algo que yo no sentía en ninguna otra casa a la que iba.

 

  1. En varios poemas mencionas tu trabajo como enfermera y tu actual formación como bailarina. ¿Cómo conviven estas facetas con la de escritora? ¿Se nutren entre sí o son mundos separados?

 

Digamos que son mundos separados pero que realmente todos son muy necesarios en mi persona. La enfermería la utilizo para sustentarme económicamente y desarrollar ese rol de cuidadora que tengo desde una manera más sana hacia mí misma. La escritura la utilizo para sacar y ordenar procesos emocionales como “con urgencia” y sin paciencia y la danza la utilizo para expresar cosas desde la constancia y paciencia conmigo misma. Pero es cierto que mayormente la escritura es como el saco roto donde a veces me quejo de la danza o de la enfermería o de lo que sea. Es lo más parecido algo impulsivo como sería gritar, llorar o reírme a carcajadas.

 

  1. Hay un poema titulado “Y no miro” donde hablas de Palestina y del dolor de ser testigo de injusticias. ¿Crees que la poesía debe tener un compromiso social o político? ¿Cuál es para ti la responsabilidad del poeta en estos tiempos?

 

Escribo sobre cosas emocionales y entre ellas aparecen problemáticas sociales que emocionalmente me afectan aunque sea desde un estado de privilegio. Por ello, básicamente lo menciono y lo expreso, no lo hago desde un objetivo de hacer poesía política. De todos modos, considero que sería ideal que todas las personas tuviéramos el mayor compromiso social y político posible dentro de lo que te permita tu contexto seas artista o no. Obviamente, teniendo en cuenta que la solución a las injusticias no es solo responsabilidad del individuo.

 

  1. Tu poesía habla mucho de la precariedad, de la clase social, de las dificultades económicas. ¿Consideras que la poesía actual refleja suficientemente estas realidades o sigue siendo un género demasiado elitista?

 

Es cierto que tengo más referencias del rap que de poesía actual, pero creo que se está consiguiendo entender que la cultura clásica ya no es lo único válido y se están consiguiendo espacios para la cultura urbana. En consecuencia, supongo que en la poesía está ocurriendo lo mismo. Concluyo que eso está haciendo que se reflejen nuevas realidades y contextos igual de válidos que los que se han reflejado hasta ahora en espacios que no era tan común que ocurrieran estas cosas.

 

  1. ¿Cómo ha sido el proceso de publicación? ¿Te has encontrado con dificultades para que tu voz, que es tan personal y alejada de ciertos cánones, llegue al público?

 

Pues realmente era un proceso tan desconocido para mí que no sé muy bien cómo definirlo porque no tengo con qué comprarlo. Pero sí que es cierto que de todas las editoriales con las que me puse en contacto sólo dos me dieron una respuesta afirmativa. No sé si eso es lo habitual o no, pero es lo que pasó.

 

  1. En “Ama quiero ser artista” escribes sobre dejar la enfermería para dedicarte al arte. ¿Qué te gustaría conseguir con tu poesía? ¿Qué autores o autoras te han inspirado en este camino?

 

Me gustaría conseguir el conectar con personas que hayan sentido lo mismo que yo en algún momento de su vida. Creo que es algo terapéutico y recíproco. Es algo que he sentido mucho en las presentaciones que he hecho y sobre todo con las señoras del pueblo que me conocen de toda la vida. Ha sido precioso, así que en cierta manera diría que ya he conseguido un poco lo que quería. Así que, mi objetivo más racional es mantener este lazo.

Para esto, me han inspirado Elvira G Luque con “Café sola” que es una rapera y poeta madrileña y mi amiga Sashel Calderón con “Donde las mariposas van a morir” que es la primera persona cercana que ha publicado un poemario.

 

  1. Tus poemas tienen una estructura libre, con versos que fluyen casi como un monólogo interior. ¿Cómo es tu proceso creativo? ¿Escribes de un tirón o revisas mucho?

 

Escribo cuando todo lo que siento lo percibo caótico y mezclado. Lo hago de manera impulsiva y directa sin pensar. Una vez que he sacado todo lo leo mil veces para entender qué me está ocurriendo y ya le doy un sentido más estético y poético.

 

  1. La poesía contemporánea a veces tiene fama de ser hermética o difícil de entender para el lector común. Tu obra, sin embargo, es muy directa y accesible. ¿Es una decisión consciente? ¿Crees que la poesía debería acercarse más al lector?

 

Para mí debería acercarse al lector si es lo que deseas, puedes escribir perfectamente para ti y ya está. Así que esa decisión creo que es personal y basada en lo que necesites hacer. En mi caso, me gusta buscar una manera explícita y poética de escribir para que haya muchas posibilidades de que se entienda el mensaje general. Pero es cierto, que casi cada palabra está elegida por algo y eso digamos que me lo quedo yo para mí.

 

  1. En “Mi casa” hablas de escuchar rap en directo y de cómo te identificas con esas voces que cuentan de dónde vienen. ¿Qué artistas del rap o del hip hop han influido en tu escritura?

 

Pues es cierto que todas son de habla hispana por tema de compresión de idioma. Entre ellas están Gata Cattana, Elvirus, Sofía Gabanna, Flor de Rap…

 

  1. Hay mucha rabia en tus versos, pero también momentos de ternura y esperanza. ¿Cómo gestionas emocionalmente el proceso de escribir sobre experiencias tan personales y a veces dolorosas?

 

Es algo que estoy aprendiendo mucho ahora y de lo que siempre estaré en constante aprendizaje. Me sirve mucho darles la misma validación a todas las emociones y tener paciencia aunque unas emociones sean más incómodas que otras. Lo combino con psicoterapia y consumir mucho arte que exprese realidades parecidas a las mías y otras muy diferentes. También, me esfuerzo mucho en mantener una red de cuidados honesta y recíproca. Creo que esto está siendo la clave para relativizar lo incómodo.

 

  1. El último poema del libro se titula “Butano”, cerrando el círculo que abriste con “Gas suelto”. ¿Qué significa para ti este cierre? ¿Sientes que has completado un ciclo con este libro?

 

Sí, es el cierre de todo el proceso emocional que me ha acompañado estos años. Siento claramente que he cerrado un ciclo con el libro.

 

  1. ¿Qué planes tienes para el futuro? ¿Seguirás explorando la poesía o te gustaría probar otros géneros literarios?

 

Intento no proyectar a un futuro muy lejano, pero a corto plazo sí que veo mantener la escritura y veo viable el seguir creando proyectos con la misma intención que este último. De momento, no estoy interesada en otros géneros literarios como tal, pero sí que estoy planteándome en formarme en guion de cine, es algo que me gustaría mucho hacer al igual que escribir canciones para artistas.

 

  1. Por último, ¿qué le dirías a alguien que nunca ha leído poesía y tiene en sus manos “Mi cocina es de butano”? ¿Cómo invitarías a los lectores no habituales de poesía a acercarse a tu obra?

 

Le diría que es una oportunidad de estar en contacto con una historia real con la que en algún punto probablemente empatizará contada de una manera muy diferente y ligera.

Les diría eso mismo, haciendo hincapié de que no se necesita demasiado esfuerzo de concentración ni de tener demasiado tiempo libre. En media hora puedes estar conectado de manera presente y no digital con una historia real y explícita que posiblemente te aportará alguna reflexión.

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Crítica literaria: “Mil años de literatura” de Paulino Arguijo de Estremera

Crítica literaria: “Mil años de literatura” de Paulino Arguijo de Estremera

Título y Autor

Título: Mil años de literatura
Autor: Paulino Arguijo de Estremera

Paulino Arguijo de Estremera es un destacado periodista, escritor y crítico literario español con una sólida formación académica. Doctor en Ciencias de la Información por la Universidad Complutense de Madrid, ha combinado su labor periodística con una prolífica carrera como autor de ensayos, biografías y novelas. Entre sus obras destacan “Cienciaficción”, “Proceso a la utopía”, “San Jorge, leyenda y realidad” y varias novelas como “Falsa identidad” y “La ribera más lejana”. Su trayectoria ha sido reconocida con premios como el Literario “Valdemembra” de Novela Histórica y el Primer Premio del Concurso de Novela de Ciencia Ficción Isaac Asimov. Como docente, ha impartido cursos sobre Medios de Comunicación Social y Teoría de la Opinión Pública en diversas ciudades europeas.

Resumen Breve

“Mil años de literatura” es un ambicioso ensayo que recorre la evolución de la literatura española desde sus primeras manifestaciones en lengua romance hasta la época contemporánea. Con un enfoque divulgativo pero riguroso, la obra examina cómo la tradición literaria española nació “al calor de la Reconquista” y se caracterizó por un acendrado espíritu local y popular, mostrando inicialmente una “inveterada actitud refractaria hacia toda influencia exterior” para luego ir asimilando selectivamente elementos foráneos sin perder su esencia. El autor analiza los principales movimientos, géneros y figuras que han definido nuestra identidad cultural a lo largo de mil años, destacando cómo la literatura española ha sido “un espejo donde el pueblo español se ha mirado a lo largo de los siglos”.

Análisis de Elementos Literarios

Estructura

Aunque no se trata de una obra narrativa tradicional, “Mil años de literatura” presenta una estructura cronológica clara y bien articulada que guía al lector a través de los distintos períodos históricos. El libro se organiza en capítulos que corresponden a las diferentes etapas y géneros de la literatura española:

  1. La épica castellana
  2. El mester de clerecía, los comienzos de la prosa y el teatro medieval
  3. La lírica, la narrativa y la historia
  4. El Romancero

Y continúa con los siguientes períodos hasta llegar a la literatura contemporánea. Esta organización permite al lector comprender la evolución orgánica de las letras españolas y cómo cada movimiento surge como respuesta o reacción al anterior.

El autor utiliza una técnica innovadora al combinar el análisis cronológico con el temático, estableciendo conexiones entre diferentes épocas y mostrando la persistencia de ciertos rasgos distintivos de la literatura española a lo largo del tiempo. Por ejemplo, cuando señala cómo “el teatro de Lope de Vega, la mística, el Romancero, los libros de caballerías y un sinfín de obras cimeras de nuestras letras tienen su origen en esa misma raíz medieval”.

Personajes

Al tratarse de un ensayo histórico-literario, los “personajes” son los propios autores y movimientos literarios que han marcado hitos en nuestra tradición. Arguijo de Estremera consigue dar vida a estas figuras literarias, presentándolas no como simples nombres en una cronología, sino como creadores cuya obra respondía a un contexto histórico y cultural específico.

Especialmente notable es su caracterización del Arcipreste de Hita, a quien describe como “sin duda el más alto poeta de nuestra literatura medieval y el primero en quien se encuentra plenamente un estilo personal”, o su retrato del Cid como un hombre “heroico en la batalla, delicado y afectuoso en la vida privada; fiel al monarca, sin perder su dignidad personal”.

Temas

El libro desarrolla varios temas recurrentes que funcionan como hilos conductores a lo largo de toda la obra:

  1. La tensión entre tradición e innovación: El autor muestra cómo la literatura española ha mantenido un difícil equilibrio entre preservar sus raíces y abrirse a influencias externas, desde “la inveterada actitud refractaria hacia toda influencia exterior” hasta la posterior asimilación selectiva de corrientes como el humanismo.
  2. El realismo como rasgo distintivo: A través de diferentes géneros y épocas, Arguijo destaca la predilección española por lo concreto y lo verosímil, desde “la exactitud histórica de los cantares de gesta” hasta el vigor descriptivo de obras posteriores.
  3. La función didáctico-moral de la literatura: El autor señala cómo, a diferencia de otras tradiciones europeas más centradas en lo estético, la literatura española ha privilegiado históricamente la enseñanza moral: “la belleza, en la nuestra, no fue en su origen un fin; antes, al contrario, estuvo subordinada, con resuelta intención práctica, a objetivos – políticos, éticos, religiosos…”
  4. La literatura como reflejo de la identidad nacional: El ensayo muestra cómo la literatura se ha convertido en “un espejo donde el pueblo español se ha mirado a lo largo de los siglos”, contribuyendo a forjar una conciencia colectiva.

Estilo y Lenguaje

El estilo de Arguijo de Estremera combina el rigor académico con una prosa accesible y elegante. Utiliza un lenguaje claro pero rico en matices, con una notable capacidad para sintetizar información compleja sin perder profundidad.

Su prosa es formal pero fluida, evitando tanto la excesiva tecnificación como la simplificación reductora. Especialmente efectivo es su uso de ejemplos concretos y comparaciones. Por ejemplo, cuando contrasta la épica castellana con la francesa: “Los musulmanes de la Chanson de Roland, llamados con frecuencia ‘paganos’, no creen en Dios, adoran unos raros ídolos […] mientras que los moros del Cantar del Cid, unos enemigos del héroe, otros amigos, son tal cual eran los que un español de entonces estaba acostumbrado a ver e incluso a tratar cotidianamente”.

El autor emplea ocasionalmente un tono más personal e incluso anecdótico, como cuando menciona una conferencia que dio sobre “La belleza de la literatura española” o su visita a un jardín en Salamanca que, según la leyenda, fue el lugar donde se encontraban Calixto y Melibea. Estos toques personales humanizan el discurso académico y establecen una conexión más cercana con el lector.

Ambientación

Aunque no se trata de una obra de ficción, Arguijo de Estremera recrea con maestría los diferentes contextos históricos y culturales en los que se desarrolló la literatura española. Sus descripciones de la sociedad medieval, con “el castillo y el monasterio” como “instituciones capitales”, o del tránsito “de la vida rural a la urbana, del castillo solitario a la corte, del recoleto scriptorium monacal a la bulliciosa universidad”, permiten al lector visualizar el entorno en el que surgieron las diferentes manifestaciones literarias.

Particularmente vívidas son sus evocaciones del ambiente en el que se desenvolvían los juglares, quienes “iban de aldea en aldea y de castillo en castillo, animando las plazas con sus relatos, sus bailes y sus canciones. Solía vérselos en las ferias, los mercados y las peregrinaciones, igual que en las salas de los castillos. Se los reconocía por su vestimenta pintoresca y variopinta”.

Interpretación y Juicio Crítico

Interpretación

“Mil años de literatura” puede interpretarse como una celebración de la continuidad cultural española. Arguijo muestra cómo nuestra literatura ha sabido adaptarse a los cambios sin perder su esencia, convirtiéndose en un vehículo para preservar valores colectivos mientras explora nuevas formas expresivas.

El autor propone una visión de la literatura española como un organismo vivo que evoluciona en respuesta a múltiples factores, manteniendo al mismo tiempo ciertos rasgos distintivos a lo largo de su milenaria historia. Su metáfora de la literatura como “un espejo donde el pueblo español se ha mirado a lo largo de los siglos” (en contraste con otras literaturas que serían “un cristal a través del cual se contempla el mundo”) sugiere que la función principal de nuestras letras ha sido ayudarnos a comprender nuestra propia identidad.

Esta interpretación se refuerza cuando el autor afirma que “cuando los pueblos, como el nuestro, pierden la seguridad en sí mismos; cuando no hay ya un norte y, perdido el camino, no saben cómo orientarse […] queda siempre, entonces, un último recurso: las palabras de quienes nos precedieron”.

Juicio Crítico

La obra de Arguijo de Estremera destaca por su capacidad para ofrecer una visión panorámica de la literatura española sin perder profundidad analítica. Su enfoque, que combina lo cronológico, lo temático y lo sociológico, proporciona al lector una comprensión integral del fenómeno literario español.

Especialmente valiosa es su habilidad para establecer conexiones entre diferentes épocas y géneros, mostrando cómo ciertos rasgos distintivos (el realismo, la sobriedad expresiva, la función didáctico-moral) persisten a lo largo del tiempo, adaptándose a nuevos contextos históricos y culturales.

El autor consigue además un notable equilibrio entre el análisis de obras concretas y la reflexión sobre tendencias generales. Sus comentarios sobre El Cantar de Mío Cid, El Libro de Buen Amor o La Celestina son minuciosos y reveladores, pero siempre están al servicio de una visión más amplia sobre la evolución de nuestra literatura.

Si bien en ocasiones su interpretación podría parecer excesivamente centrada en la “españolidad” de nuestra literatura, Arguijo evita caer en el nacionalismo simplista al reconocer la importancia de las influencias externas y explicar cómo la literatura española se enriqueció con ellas una vez superado el temor inicial a la pérdida de identidad.

Contexto Histórico y Cultural

Contexto Histórico

“Mil años de literatura” se publica en 2025, en un momento en que la globalización cultural plantea nuevos desafíos a las identidades nacionales. En este contexto, la obra de Arguijo de Estremera puede leerse como una reivindicación de la importancia de conocer nuestras raíces culturales para afrontar los retos del presente.

El autor es consciente de este contexto cuando señala que “precisamente esas obras [los clásicos] fueron durante generaciones el acervo común de valores que nos han permitido reconocernos como nación”, una reflexión que adquiere especial relevancia en una época en que la enseñanza de los clásicos ha perdido presencia en los planes educativos.

Contexto Cultural

La obra se inserta en una tradición de estudios literarios que busca identificar los rasgos distintivos de la literatura española. Desde Menéndez Pidal, a quien Arguijo cita abundantemente, hasta estudios más recientes, esta tradición ha intentado explicar cómo nuestra literatura refleja y a la vez configura una cierta identidad cultural.

El enfoque de Arguijo, que destaca la tensión entre tradición e innovación como uno de los ejes de nuestra historia literaria, resulta especialmente pertinente en un momento en que la cultura española se debate entre la preservación de su legado y la necesidad de adaptarse a un mundo globalizado.

Comparación con Otras Obras

El enfoque de Arguijo de Estremera recuerda al de Menéndez Pidal en su “Historia de la lengua española” o en sus estudios sobre la épica medieval, especialmente en su atención a la continuidad de ciertos rasgos distintivos a lo largo del tiempo. Sin embargo, Arguijo adopta un tono más divulgativo y una estructura más accesible para el lector no especializado.

En comparación con poetas del siglo XX, el estilo ensayístico de Arguijo muestra algunas similitudes con la prosa reflexiva de Octavio Paz en “El arco y la lira” o de José Ángel Valente en sus ensayos sobre poesía. Como ellos, Arguijo combina el análisis riguroso con una sensibilidad poética que le permite captar los matices más sutiles de las obras que comenta.

Su visión de la literatura como expresión de una identidad colectiva recuerda también a la de Miguel de Unamuno en “En torno al casticismo”, aunque Arguijo evita el tono polémico y la angustia existencial característicos del escritor vasco.

Opinión Personal

“Mil años de literatura” es una obra fundamental para comprender la evolución de nuestra tradición literaria. Su mayor virtud radica en su capacidad para combinar el rigor académico con una exposición clara y amena, lo que la hace accesible tanto para especialistas como para lectores interesados en profundizar en nuestro patrimonio cultural.

Especialmente valiosa me parece su visión integradora, que muestra cómo cada período literario surge orgánicamente del anterior, estableciendo un diálogo constante entre tradición e innovación. Esta perspectiva nos ayuda a entender la literatura española no como una sucesión de movimientos aislados, sino como un proceso continuo en el que cada generación reinterpreta y transforma el legado recibido.

Recomendaría esta obra a estudiantes de literatura española, profesores y cualquier lector interesado en descubrir cómo nuestra historia se refleja en nuestras letras. Es una excelente introducción para quienes se acercan por primera vez a nuestra tradición literaria, pero también ofrece perspectivas originales que pueden enriquecer la visión de los lectores más familiarizados con el tema.

Conclusión

Paulino Arguijo de Estremera ha creado con “Mil años de literatura” un ensayo riguroso pero accesible que celebra la riqueza y diversidad de nuestra tradición literaria. A través de un recorrido cronológico que abarca desde la épica medieval hasta la poesía contemporánea, el autor muestra cómo la literatura española ha evolucionado en respuesta a los cambios históricos y culturales, manteniendo al mismo tiempo ciertos rasgos distintivos que configuran su personalidad única.

La obra destaca por su capacidad para establecer conexiones significativas entre diferentes épocas y géneros, revelando continuidades que a menudo pasan desapercibidas en estudios más fragmentarios. Su metáfora de la literatura como “un espejo donde el pueblo español se ha mirado a lo largo de los siglos” nos invita a reflexionar sobre el papel que nuestro patrimonio literario ha desempeñado en la configuración de nuestra identidad colectiva.

En un momento en que la globalización cultural plantea nuevos desafíos a las identidades nacionales, “Mil años de literatura” nos recuerda la importancia de conocer nuestras raíces para afrontar con confianza los retos del futuro. Como afirma el propio autor, cuando perdemos el norte, “queda siempre, entonces, un último recurso: las palabras de quienes nos precedieron”.

 

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GAS SUELTO de Aixa Ballesteros del libro “Mi cocina es de butano”

GAS SUELTO

romantizo el olor a tabaco
mi padre fumaba ducados cocinaba varios días pollo asado
bailaba a cada rato
se enfermó y murió hinchado
como un sapo
llenito de amor
de arte
de callos en las manos
dejó triste a una madre
con trillizos de once años
obedientes
callados
todo por separado
entendimos la crisis del 2008
a hostias
pero la entendimos
ropa usada y de mercadillo
se reían de nosotros algunos niños
también entendimos
los trabajos precarios de una madre
también tuvimos
a una abuela
cocinera
aldeana
migrante
prejubilada (pa’) cuidarnos
cargaba las cosas en la espalda
su marido a cuestas
pesaba toneladas
madre mía lo que pesaba
yo fantaseaba
con que desapareciera
con que adelgazara
le culpé del malestar y la ansiedad de la abuela
no me equivocaba
odio a la policía
un día vino a casa
no sirvió de nada
él seguía con amenazas
escapé como el disparo de una escopeta
bum
volví con mucha vergüenza
de abandonarlas rotas
pero enteras
no sé cómo lo hacen
por fuera parecen herreras
impermeables como el metal
ojalá entrar en ellas
poner las cartas sobre la mesa
que corten y me cuenten
qué les hace felices
su vida como artesanas
si han sanado cicatrices
su vida como butroneras
obedeciendo directrices
todas sentadas en la cocina de butano
chillando con el gas silbando

Aixa Ballesteros, “Mi cocina es de butano”

La memoria como fuego que no se apaga

Hay poemas que son como fotografías descoloridas encontradas en el fondo de un cajón, imágenes que creíamos olvidadas pero que al tocarlas nos queman los dedos. Así es “Gas suelto”, el poema que abre el poemario de Aixa Ballesteros, una puerta que se abre de golpe y nos arrastra a un pasado que huele a tabaco, a pollo asado, a crisis económica, a supervivencia.

La voz poética nos sumerge en un torrente de recuerdos sin filtros, sin puntuación, como si las palabras brotaran directamente de una herida que aún no ha cicatrizado. El padre que muere “hinchado como un sapo”, la madre que queda “triste”, los “trillizos de once años” que aprenden a entender la crisis “a hostias”, la abuela que carga “las cosas en la espalda” y a “su marido a cuestas”. Todo narrado con una crudeza que no busca embellecer el dolor, sino mostrarlo en su estado más puro.

Me conmueve especialmente cómo Ballesteros construye un retrato familiar donde las mujeres son pilares inquebrantables, “herreras” e “impermeables como el metal”, artesanas de la supervivencia que, a pesar de todo, siguen adelante. La niña que observa, que fantasea “con que desapareciera” el abuelo maltratador, que escapa “como el disparo de una escopeta” pero vuelve “con mucha vergüenza”, nos muestra la culpa que cargan quienes no pueden salvar a quienes aman.

El poema fluye como una confesión susurrada, con versos cortos que se precipitan como lágrimas, creando un ritmo entrecortado que refleja la respiración agitada de quien recuerda el dolor. Y sin embargo, hay una belleza áspera en esta honestidad, en este mirar de frente a los fantasmas familiares.

La cocina de butano se convierte en el escenario central, el corazón palpitante de esta historia familiar, donde las mujeres se sientan “chillando con el gas silbando”, una imagen final que condensa toda la tensión acumulada, como si ese gas pudiera explotar en cualquier momento, igual que los sentimientos contenidos.

Cuando leo este poema, siento que estoy sentado en esa cocina, respirando ese aire cargado de historias no contadas, de preguntas sin respuesta. “Ojalá entrar en ellas”, dice la voz poética, expresando ese deseo universal de comprender realmente a quienes amamos, de traspasar esas corazas que han construido para sobrevivir.

Aixa Ballesteros ha creado un poema que es memoria viva, testimonio de una generación marcada por la precariedad, pero también un homenaje a la resistencia silenciosa de las mujeres que sostienen el mundo sobre sus hombros. Un poema que, como el gas butano, puede ser volátil y peligroso, pero también capaz de alimentar el fuego que nos mantiene vivos.

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CRÍTICA LITERARIA: MI COCINA ES DE BUTANO de Aixa Ballesteros

Entre el gas y la palabra: La poesía urbana y visceral de Aixa Ballesteros

“Mi cocina es de butano” o la poética del desarraigo contemporáneo

Nos encontramos ante una obra que irrumpe en el panorama poético español con la fuerza de una explosión contenida. “Mi cocina es de butano” (Editorial Poesía eres tú, 2025) es el primer poemario de Aixa Ballesteros (Orduña, 1998), una joven poeta vasca-gallega que ha sabido transformar su experiencia vital en un artefacto literario de extraordinaria potencia expresiva.

Ballesteros, enfermera de formación y bailarina de vocación, ha construido un universo poético que refleja su trayectoria vital: criada entre el País Vasco y Galicia, y actualmente afincada en Madrid, donde ha comenzado su formación en danza urbana, dejando en segundo plano su profesión sanitaria. Esta transición vital se convierte en materia prima de una poesía que, como ella misma confiesa, siempre ha utilizado como herramienta para “ordenar sus procesos emocionales” de manera íntima.

La estructura del poemario: un viaje de transformación

El libro se compone de 30 poemas numerados que conforman un recorrido emocional y geográfico. Desde el primer poema, “Gas suelto”, hasta el último, “Butano”, Ballesteros traza un arco narrativo que va desde sus raíces rurales hasta su presente urbano, desde el dolor familiar hasta la búsqueda de una identidad propia.

La estructura circular del poemario, que comienza y termina con referencias al gas butano como símbolo de origen y transformación, otorga a la obra una coherencia interna que trasciende la mera recopilación de poemas. Estamos ante un libro concebido como un todo orgánico, donde cada texto funciona como una pieza de un mosaico mayor que retrata el proceso de construcción identitaria de la autora.

Lenguaje y estilo: entre la tradición y la ruptura

Lo que distingue inmediatamente la poesía de Ballesteros es su lenguaje directo, a veces crudo, que bebe tanto de la tradición poética como de la cultura urbana y el hip hop. Sus versos fluyen con un ritmo que recuerda al rap, con una cadencia oral que invita a ser recitada en voz alta:

“romantizo el olor a tabaco / mi padre fumaba ducados cocinaba varios días pollo asado / bailaba a cada rato / se enfermó y murió hinchado / como un sapo / llenito de amor / de arte / de callos en las manos”

Esta fusión entre lo poético y lo conversacional sitúa a Ballesteros en una interesante encrucijada dentro del panorama poético contemporáneo. Por un lado, su obra entronca con la poesía de la experiencia que dominó buena parte de la poesía española de finales del siglo XX, con autores como Luis García Montero o Felipe Benítez Reyes. Por otro, su incorporación de elementos de la cultura urbana y su lenguaje directo la conectan con poetas como Gata Cattana o Luna Miguel, que han sabido incorporar nuevos registros a la tradición poética española.

La métrica libre, los versos irregulares y la ausencia de puntuación convencional refuerzan esta sensación de flujo verbal, de pensamiento en movimiento. Sin embargo, bajo esta aparente espontaneidad late un cuidadoso trabajo de construcción poética, donde cada palabra está medida y cada silencio calculado.

Temas: identidad, clase y memoria

El poemario explora varios ejes temáticos interconectados. El primero es la identidad, tanto personal como colectiva. Ballesteros indaga en sus raíces vasco-gallegas y en cómo estas han configurado su visión del mundo. La figura de la abuela, presente en varios poemas como “Maruxa” o “Leña”, se convierte en un anclaje con ese pasado rural que la poeta a la vez añora y del que busca emanciparse.

El segundo eje es la clase social. Con una mirada lúcida y sin autocomplacencia, Ballesteros aborda la precariedad, la pobreza y las dificultades económicas como elementos constitutivos de su experiencia vital: “entendimos la crisis del 2008 / a hostias / pero la entendimos / ropa usada y de mercadillo / se reían de nosotros algunos niños / también entendimos / los trabajos precarios de una madre”.

El tercer eje es la memoria, tanto individual como familiar. La poeta rescata recuerdos de infancia, momentos de dolor y alegría que han moldeado su personalidad. La cocina de butano se convierte así en un espacio simbólico donde confluyen estos recuerdos, un lugar de encuentro entre generaciones, entre el pasado y el presente.

Innovación y tradición: Ballesteros en el contexto de la poesía española contemporánea

Lo más interesante de “Mi cocina es de butano” es cómo logra tender puentes entre tradiciones poéticas aparentemente distantes. Por un lado, Ballesteros se inserta en la tradición de la poesía social española, que desde Blas de Otero hasta Miguel Hernández ha utilizado el verso como herramienta de denuncia y testimonio. Por otro, su obra dialoga con las corrientes más experimentales de la poesía contemporánea, con su exploración del lenguaje y su ruptura de convenciones formales.

A diferencia de los poetas novísimos de los años 70, que según José Olivio Jiménez se caracterizaban por un “blockage of the expression of the self” y un “extreme aestheticism”, Ballesteros opta por una poesía del yo sin disimulos, donde la experiencia personal se convierte en materia poética sin filtros culturalistas. Sin embargo, comparte con ellos una profunda conciencia del poema como artefacto lingüístico, como construcción verbal que trasciende la mera comunicación de experiencias.

Su obra también contrasta con la llamada “poesía del silencio” o minimalista que ha tenido tanto peso en la poesía española reciente. Frente a la contención y la depuración extrema del lenguaje, Ballesteros opta por la abundancia, por un flujo verbal que parece querer abarcarlo todo, desde lo más íntimo hasta lo más social.

La influencia del hip hop: una poética de la oralidad

Uno de los aspectos más innovadores del poemario es su incorporación de elementos del hip hop y la cultura urbana. Esto no se limita a referencias temáticas, sino que afecta profundamente a la construcción rítmica y sintáctica de los poemas. La cadencia, las repeticiones, los juegos fonéticos recuerdan al flow del rap:

“me olías a cosa cara / te tenía siempre encarnada / me rendí / no podía pagarla / te y me maté entera / me y te maté a medias / temí no tener en la cartera / para jugar unas monedas”

Esta influencia del hip hop conecta a Ballesteros con una tradición poética que ha sido tradicionalmente marginada por la academia pero que ha demostrado un enorme potencial para conectar con nuevos públicos. Su poesía se sitúa así en un espacio fronterizo, capaz de dialogar tanto con la tradición literaria como con las expresiones culturales más contemporáneas.

Valoración crítica: virtudes y limitaciones

“Mi cocina es de butano” es un poemario valiente, honesto y de una intensidad emocional poco común en la poesía española reciente. Su principal virtud reside en la autenticidad de su voz, en esa capacidad para transformar la experiencia personal en materia poética sin caer en el sentimentalismo ni en la autocomplacencia.

También destaca su habilidad para crear imágenes potentes y memorables, que quedan grabadas en la mente del lector: “cierra el gas / no vaya a ser que explote / se enteren las vecinas / todo se alborote”. La cocina de butano, las manos de la abuela, el olor a leña, son imágenes que trascienden lo anecdótico para convertirse en símbolos de una experiencia vital compartida por muchos.

Sin embargo, el poemario no está exento de limitaciones. En ocasiones, la acumulación de imágenes y la ausencia de puntuación dificultan la lectura y pueden generar cierta confusión. Algunos poemas parecen más esbozos o apuntes que piezas completamente desarrolladas, lo que puede dar una sensación de irregularidad al conjunto.

También se echa en falta, en algunos momentos, una mayor elaboración formal que contrapese la inmediatez del lenguaje. La apuesta por la espontaneidad y la oralidad es valiente, pero a veces se sacrifica la precisión y la densidad poética en aras de la expresividad directa.

Conclusión: una voz necesaria en el panorama poético actual

A pesar de estas limitaciones, “Mi cocina es de butano” se revela como una de las propuestas más interesantes y renovadoras de la poesía española reciente. Aixa Ballesteros ha conseguido crear una voz propia, reconocible y auténtica, capaz de conectar con lectores de diferentes generaciones y bagajes culturales.

Su poesía, que nace de la necesidad de “gritar para vaciarse y sentir las ganas de vivir sin estar viva”, como ella misma confiesa, trasciende lo personal para convertirse en testimonio de una generación marcada por la precariedad, la crisis y la búsqueda de nuevas formas de expresión.

En un panorama poético a menudo dominado por voces académicas o excesivamente experimentales, Ballesteros aporta frescura, autenticidad y una conexión directa con la realidad cotidiana. Su obra demuestra que la poesía puede seguir siendo una herramienta de exploración personal y colectiva, capaz de nombrar lo que a menudo queda sin nombrar.

“Mi cocina es de butano” es, en definitiva, un libro necesario, que amplía los límites de lo que entendemos por poesía y nos recuerda su capacidad para conectar con la experiencia humana en toda su complejidad. Una obra que, como el gas butano que le da título, puede ser volátil y peligrosa, pero también capaz de generar el calor necesario para sobrevivir en tiempos difíciles.

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“Manzana dorada” y “Celeste llama” de EL JARDÍN DE LAS HESPÉRIDES. GUILLEM ROJO I GALLEGO

 

Manzana dorada

Y al convite del nacimiento, del amado de Patroclo,
cuyo cuerpo fue moldeado por los dioses,
y su valor lo proclamó leyenda,
se desdijo Eris, la única no invitada.

Tetis con su solemnidad,
procuró por todos los medios que, su querido hijo,
fuera uno más de su propia estirpe,
y Peleo siguió los pasos sabios,
que le condujeron el centauro Quirón.

Del jardín de las Hespérides,
Éride quiso sustraer la fruta dulce pomácea,
con áureo resplandor, que de hecho,
era el cítrico por excelencia,
tras su desdicha por la marginación.

Kallisti, kallisti…

Sólo la apolínea persona podrá saborear su jugo,
compuesto de sangre del Pélida,
y tras siglos de historia y mitos,
el citro sigue rondando por el ocaso,
plagando de luz cobriza a las hijas del atardecer,
llevando consigo lo mejor del día,
y mutando a la mañana siguiente.

—Guillem Rojo i Gallego, El Jardín de las Hespérides.

 

 

La savia del mito en la raíz del deseo

Este poema es un río donde confluyen la ira de los dioses y la sed humana. Rojo i Gallego no solo evoca el mito de la manzana de la discordia, sino que la transforma en un cítrico ardiente, jugoso de contradicciones. La Kallisti —aquella inscripción que desató guerras— aquí ya no es objeto de vanidad, sino símbolo de un deseo que trasciende el tiempo. La sangre de Aquiles se mezcla con el zumo áureo, creando un brebaje donde lo eterno y lo efímero se funden.

El poeta baila entre versos como si tejiera una coreografía de sombras helénicas: Eris, la diosa olvidada, resurge en cada sílaba con la fuerza de quien reclama su lugar en el banquete de la existencia. La fruta prohibida ya no es pecado, sino un acto de resistencia contra el olvido. ¿Acaso no es el amor, como este cítrico, una sustancia que quema al morderla pero ilumina el ocaso?

En cada estrofa hay un pulso entre la carne y el mito. La luz cobriza que tiñe a las Hespérides no es solo el crepúsculo, sino el resplandor de los cuerpos que aman, luchan y se desintegran. Rojo i Gallego nos recuerda que todo jardín tiene su serpiente, y todo deseo, su costado de sombra. La manzana dorada no es un final, sino un principio: ese instante en que la savia del mito empapa nuestra raíz más terrenal.

Celeste llama

Las Hespérides anuncian el final,
aunque la mañana no ha llegado a tocar el cielo,
y el manto cósmico envuelve mis pensamientos de supremacía infinita,
conjugados por un beso al alba de celeste llama,
encendiendo tesoros del alma viva,
oleada de hidrógeno en helio, núcleo sidéreo en mi vientre.

Cada musa recoge el primer y último cítrico,
época de raíces paralelas de visiones y posibilidades,
dando valor al fruto que, durante una temporada,
fue un germen áureo,
dando campanadas al aire de enero matizado,
con esencia de rayo soleado en invierno.

Desplegando baldosas de tierra roja en el ocaso del ayer,
para emprender el viaje del habla fundida al ánima,
siendo descubierto por un nuevo río carnívoro de deseo,
un impulso de aproximación de los cuerpos,
nacidos de la fascinación del gemido sexual,
una respuesta hecha de placer al nuevo tacto,
junto al esposo que se hace verdadero,
cuna de reconfortantes brazos donde morder y lamer,
siempre en libertad de ensueño, nuestra elevación simultánea
al emanamiento del jugo en el cielo de esos cítricos,
que las musas pensaron un día para mí, para ti y para todos
ofreciendo suspiro de confianza, de espuma dulce y dedos entrelazados.

Guillem Rojo i Gallego, “El Jardín de las Hespérides”

La danza cósmica del deseo

Me pierdo entre los versos de “Celeste llama” como quien se deja envolver por un manto de estrellas en una noche de verano. Guillem Rojo nos regala aquí una culminación, un broche que cierra y a la vez abre todas las puertas del jardín mítico que ha creado. Las Hespérides, esas ninfas del ocaso, no anuncian solo un final sino un nuevo comienzo —como todo atardecer promete un amanecer. El poema respira a través de contrastes delicados: lo cósmico y lo íntimo, lo mitológico y lo carnal, el pasado y el futuro que se encuentran en un presente brillante como una fruta recién cortada.

Siento cómo el poeta transmuta la astrofísica en metáfora del deseo: esa “oleada de hidrógeno en helio” que también es la transformación alquímica del encuentro amoroso. El cuerpo, ese jardín de sensaciones, se convierte en un universo entero donde los frutos dorados —los cítricos que las musas recogen— son tanto los momentos de placer como la memoria y promesa de estos.

La tierra roja (Eritía) se despliega como baldosas de un camino que conduce irremediablemente hacia el otro, hacia ese “río carnívoro de deseo” que devora distancias y soledades. Qué hermoso ese momento en que el tacto se transforma en “respuesta hecha de placer”, como si el cuerpo tuviera su propio lenguaje de piel y suspiros, más elocuente que cualquier palabra.

El final del poema se eleva —como los amantes en su unión— hacia una dimensión universal: lo que parecía íntimo se expande, y comprendemos que este jardín secreto está abierto para todos, que esos frutos dorados del deseo y la conexión están al alcance de cualquiera que se atreva a morder la manzana del conocimiento sensorial.

Rojo i Gallego consigue en estos versos algo extraordinario: hacer que lo mitológico palpite con la urgencia de lo presente, y que lo carnal adquiera la trascendencia de lo sagrado. Un poema donde el cielo y la tierra se besan, donde las estrellas tienen sabor a cítrico, y donde los dedos entrelazados forman la constelación más brillante del firmamento humano.

 

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Crítica Literaria: El Jardín de las Hespérides de Guillem Rojo i Gallego

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Crítica Literaria: El Jardín de las Hespérides de Guillem Rojo i Gallego

Título y Autor

Título: El Jardín de las Hespérides
Autor: Guillem Rojo i Gallego, bailarín solista del Ballett Dortmund, coreógrafo y poeta. Formado en danza en el Conservatorio Profesional de Valencia y la Hochschule für Musik und Theater München, Rojo i Gallego combina su experiencia artística con una sensibilidad poética que explora el cuerpo, el deseo y la naturaleza desde una perspectiva mitológica y contemporánea.

Resumen Breve

El Jardín de las Hespérides es un poemario dividido en tres partes: Egle, Eritía y Héspere, cada una inspirada en las ninfas guardianas del jardín mitológico. La obra entrelaza temas como el amor, el placer y la homoerótica con referencias a los mitos griegos, invitando al lector a un viaje sensorial hacia lo profundo de la esencia humana. Es un canto a la conexión entre naturaleza, cuerpo y emoción, presentado con un lenguaje que oscila entre lo clásico y lo moderno.

Análisis de Elementos Literarios

Trama

Aunque no sigue una narrativa tradicional, el poemario tiene una estructura cíclica que imita el curso del día: desde el amanecer luminoso de Egle, pasando por el mediodía ardiente de Eritía, hasta el atardecer reflexivo de Héspere. Este recorrido simboliza las etapas del amor y el deseo humano, desde su despertar hasta su culminación introspectiva.

Personajes

Los personajes principales son las ninfas mitológicas (Egle, Eritía y Héspere), quienes representan distintas facetas del deseo y la conexión con la naturaleza. Más allá de ellas, el verdadero protagonista es el cuerpo humano como territorio de exploración emocional y física.

Temas

  • Amor y deseo: El poemario celebra la homoerótica como fuerza vital e integradora.
  • Naturaleza: La tierra roja, los frutos dorados y los elementos naturales son metáforas recurrentes del cuerpo humano y sus pulsiones.
  • Mitología: Los mitos griegos sirven como marco simbólico para explorar emociones universales.
  • Transformación: Cada sección refleja un cambio emocional que culmina en una aceptación serena.

Estilo y Lenguaje

Rojo i Gallego utiliza un lenguaje sensorial cargado de metáforas e imágenes vívidas. Su estilo combina la musicalidad del verso libre con técnicas como la sinestesia y el encabalgamiento, creando una experiencia inmersiva para el lector. Los poemas están impregnados de sensualidad y ritmo, reflejando su formación como bailarín.

Ambientación

La ambientación es etérea y mitológica: jardines llenos de frutos dorados, cielos estrellados, mares tranquilos al atardecer. Este entorno no solo enmarca los poemas sino que actúa como espejo del estado emocional del autor.

Interpretación y Juicio Crítico

Interpretación

La obra dialoga con la tradición poética española al recuperar elementos clásicos (mitología griega) pero los actualiza al explorar temas como la homoerótica desde una perspectiva contemporánea. El jardín mitológico se convierte en un espacio simbólico donde convergen cuerpo, naturaleza y deseo.

Juicio Crítico

El Jardín de las Hespérides destaca por su originalidad al combinar referencias clásicas con una sensibilidad moderna. Su capacidad para conectar con lectores contemporáneos radica en su lenguaje accesible pero profundo, que invita tanto a la reflexión como a la emoción. La obra logra equilibrar lo lírico con lo sensorial, ofreciendo una experiencia poética completa.

Contexto Histórico y Cultural

Contexto Histórico

La obra se inserta en un panorama literario donde la poesía contemporánea busca nuevas formas de expresión frente a los retos de la era digital. Rojo i Gallego se suma a esta corriente al utilizar elementos clásicos para hablar sobre temas actuales como la identidad sexual.

Contexto Cultural

En una época donde las redes sociales han popularizado fragmentos poéticos breves, El Jardín de las Hespérides ofrece una alternativa más rica y compleja. Al mismo tiempo, su enfoque sensorial lo hace accesible para lectores menos habituados al género.

Comparación con Otras Obras

En comparación con poetas del siglo XX como Luis Cernuda o Vicente Aleixandre, Rojo i Gallego comparte su interés por explorar el deseo humano desde una perspectiva lírica. Sin embargo, su estilo es más directo y sensorial, adaptado a las necesidades del lector contemporáneo. Frente a autores actuales como Loreto Sesma o Elvira Sastre, su obra se distingue por su profundidad simbólica y su conexión con lo mitológico.

Opinión Personal

La poesía de Guillem Rojo i Gallego es un soplo fresco en el panorama literario actual. Su capacidad para equilibrar lo clásico con lo contemporáneo lo convierte en un autor imprescindible para quienes buscan poesía rica en significado pero accesible en emoción. Recomendaría este libro tanto a lectores habituales del género como a aquellos que desean descubrirlo por primera vez.

Conclusión

El Jardín de las Hespérides es más que un poemario; es una experiencia sensorial que conecta pasado y presente, mito y realidad. Guillem Rojo i Gallego demuestra que la poesía puede ser innovadora sin perder profundidad ni belleza. Su obra es un puente entre lo ancestral y lo moderno, ofreciendo al lector un viaje inolvidable hacia las raíces mismas del deseo humano.

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“Los hilos del miedo”: Presentación en Murcia de la nueva obra de Ana María Tomás

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El próximo 26 de marzo a las 19:30 h, la autora Ana María Tomás presentará su obra Los hilos del miedo, publicada por Ediciones Rilke, en la Sala de Ámbito Cultural de El Corte Inglés, en Gran Vía Salzillo, Murcia.

La presentación estará a cargo de Arturo Andreu, quien nos acompañará en este encuentro literario para explorar los temas y emociones que atraviesan esta obra tan especial.

Te invitamos a sumergirte en el universo poético de Ana María Tomás, lleno de sensibilidad y profundidad. ¡No te lo pierdas!

 Lugar: Sala de Ámbito Cultural, El Corte Inglés, Gran Vía Salzillo, 1ª planta
 Fecha: 26 de marzo
 Hora: 19:30 h

Para más información: www.ambitocultural.es

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Antonio del Barrio: “No podemos dejar de lado nuestras ilusiones por estar jubilados”

Fuente: https://www.65ymas.com/ocio/libros/antonio-barrio-no-podemos-dejar-lado-nuestras-ilusiones-por-estar-jubilados_67539_102.html

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“Antonio del Barrio: No podemos dejar de lado nuestras ilusiones por estar jubilados” de 65ymas.com:

El artículo trata sobre el libro “El tiempo es un amigo que te avisa” de Antonio Barrio, un autor que anima a los jubilados a no renunciar a sus ilusiones y a disfrutar de su tiempo libre. Barrio, a través de su obra, busca inspirar a las personas mayores a mantenerse activas y a perseguir sus pasiones durante la jubilación. El autor destaca la importancia de no dejarse vencer por la inactividad y de encontrar nuevas motivaciones en esta etapa de la vida.

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Lo Que Me Asusta. Elena Nuñez Sambucety.

- freepik a photorealistic emotionally charged image depicti 95495 -Lo Que Me Asusta

No me asustan los lobos, ni los bosques,
ni el mar embravecido;
me asusta tu gélida mirada,
tu indolencia, tu sarcasmo.

No me asustan los pesares,
las caídas, las vergüenzas;
me asusta tu necedad,
tu congelada sonrisa cínica,
tu careta;
la que habla dulce siendo dura
la que juega al amor;
la que encandila sabiendo
que no es verdad cálida la rigidez de tus hombros,
ni húmeda la curva de tus labios de desdén,
ni el granito de tu cuerpo,
la frialdad de tus manos;
ojos cristalinos que no están.

No me asusta el rugir del viento
ni el granizo, ni el hambre, ni la muerte;
me asusta tu marmolea presencia
impasible, impecable,
(impenetrable)
nada te atraviesa…
nada te toca del sufrimiento del otro.

Aprietas las manos en el cuello trémulo sin piedad,
el veneno en tu boca que muchos miran e ignoran,
miran hacia otro lado,
y de tanto hacerlo
no sienten; no vibran; no tocan,
a pesar de tener manos y corazón.

Una sociedad dormida me rodea,
seres anestesiados que comen y ríen
y pasean,
disfrutando como gatos vientre al sol,
gente que mira, pero no mira;
que sonríe, pero no siente;
¡eso sí da miedo!

Elena Núñez Sambucety, Arquitecturas Humanas

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El Miedo a la Indiferencia

Este poema, como un grito ahogado en la multitud, resuena con la angustia de quien se enfrenta a la indiferencia. No son los peligros del mundo exterior los que aterrorizan al yo poético, sino la frialdad de un alma insensible, la mirada que no ve, el corazón que no siente.

Elena, con maestría, invierte la jerarquía de los temores. Los lobos, los bosques, el mar embravecido, símbolos de la naturaleza salvaje y sus desafíos, palidecen ante la gélida mirada de quien se ha cerrado al dolor ajeno. Es en esa desconexión, en esa indolencia petrificada, donde reside el verdadero horror.

Las imágenes que utiliza son poderosas: “congelada sonrisa cínica”, “hombros de rigidez”, “labios de desdén”, “granito de tu cuerpo”, “frialdad de tus manos”. Cada palabra esculpe un retrato de la insensibilidad, de la incapacidad de vibrar con la emoción del otro.

La sociedad dormida que rodea al yo poético es aún más aterradora. Seres anestesiados, gatos al sol, que miran sin ver, que sonríen sin sentir. La indiferencia se convierte en una epidemia, una máscara que oculta la falta de empatía y la incapacidad de conectar con la humanidad compartida.

En este poema, Elena no solo nos revela sus miedos, sino que nos confronta con los nuestros. Nos invita a despertar del letargo, a mirar con atención, a sentir con el corazón, a abrazar la vulnerabilidad y a resistir la tentación de la indiferencia. Porque, al final, es en la conexión con el otro, en la compasión y en el amor, donde encontramos la verdadera fuerza para enfrentar los peligros del mundo.

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Raíces de Luana Bruno

 

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Raíces

Como las raíces bien arraigadas en el suelo
Necesitamos la tierra que nos sostiene,
El agua que nos da vida,
El sol que nos calienta.

Como las raíces que se abrazan a la tierra,
Necesitamos amor,
Amistad,
Compañía.

Como las raíces que se esconden debajo de la tierra,
Necesitamos un lugar seguro,
Un refugio,
Un hogar.

Luna Bruno del libro Entre el cielo, la tierra y el vuelo.

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El Abrazo Silencioso de lo Invisible

Ah, “Raíces”… Un poema que me hace pensar en esos lazos invisibles que nos unen a la vida, a la tierra que pisamos, a las personas que amamos. Me imagino esas raíces, extendiéndose como venas debajo de la piel del mundo, buscando alimento, buscando conexión.

En cada verso, siento la necesidad humana de arraigo, de pertenencia. Es como si la autora nos recordara que, aunque a veces nos sintamos perdidos o desarraigados, siempre hay algo que nos sostiene: la tierra que nos nutre, el agua que nos da vida, el sol que nos calienta el alma.

Pero no solo necesitamos lo tangible, lo material. También necesitamos el abrazo invisible del amor, la amistad, la compañía. Esos lazos que nos dan fuerza, que nos impulsan a seguir adelante, que nos recuerdan que no estamos solos en este viaje.

Y finalmente, necesitamos un lugar seguro, un refugio donde poder escondernos del mundo, donde poder ser nosotros mismos sin miedo ni vergüenza. Un hogar, un espacio donde podamos sentirnos protegidos y amados.

Este poema es un canto a la humildad, a la sencillez, a la belleza de las cosas pequeñas. Es una invitación a conectar con nuestra esencia, a valorar lo que realmente importa, a recordar que, como las raíces, todos necesitamos un lugar donde arraigar, un lugar donde florecer. Es un abrazo silencioso que nos recuerda que, aunque a veces no lo veamos, siempre hay algo que nos sostiene. Y eso, amigo mío, es la esencia misma de la vida.

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