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análisis poético

Lo que ocurre cuando la voz «cubre de gozo». Análisis del poema Afecto, de Antonio del Barrio Estremera

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El análisis del poema Afecto de Antonio del Barrio Estremera revela algo que no resulta obvio en una primera lectura: que en once palabras finales se concentra la lógica de un libro entero. «¡Qué no se acabe el afecto / porque se rompe el amor! / Y sin su mimbre, no hay cesto.» No es un cierre emocional sino un teorema. ¿Puede un poema de amor funcionar como demostración matemática sin perder calor? ¿Qué ocurre cuando la forma popular —el octosílabo, la rima asonante— se pone al servicio de una arquitectura tan precisa? Este análisis abre el poema desde dentro, verso a verso, para mostrar cómo trabaja antes de que el lector lo haya terminado de sentir.

AFECTO

¡El amor es la unión de muchos mimbres a la vez!
Entonces brota del corazón
la alegría del querer.
Pero no habrá ilusión completa
si ese viaje no respeta
en su camino el afecto,
se hundirá, no habrá proyecto.
El afecto es emoción
empapada de colores
y de música y tambores
al oír una canción.
Este mimbre se transmite
de tí, a la enamorada
¡Cuando tu voz cubre de gozo
a esa persona amada!
Y ella lo recibe
dibujándote un esbozo
de eso que dentro percibe
porque la parece hermoso
y lo sueña con la almohada.
¡El afecto se regala
a la dueña de tu alma!
Despierta luz e interés
y rompe feliz su calma
porque la viste de gala
de la cabeza a los pies.

Y además da cercanía
a quien prueba su sabor
llena de plena armonía
y excita con su calor.
¡Qué no se acabe el afecto
porque se rompe el amor!
Y sin su mimbre, no hay cesto.

Antonio del Barrio Estremera
Mimbres de Amor

Lo que ocurre cuando la voz «cubre de gozo»

El poema empieza con una advertencia, no con una declaración de amor. «Pero no habrá ilusión completa / si ese viaje no respeta / en su camino el afecto, / se hundirá, no habrá proyecto.» Antes de decir qué es el afecto, Del Barrio Estremera dice lo que ocurre sin él. El amor, en este poema, no se celebra: se sostiene. Y la diferencia entre celebrar y sostener es la diferencia entre un poema de enamoramiento y un poema de arquitectura emocional.

Lo que sigue es la definición por imagen. «El afecto es emoción / empapada de colores / y de música y tambores / al oír una canción.» La emoción tiene color, tiene sonido, tiene la vibración física de un tambor en el pecho. Los tres sentidos confluyen en un solo verso sin que la costura se note: eso es sinestesia, pero el poema no la anuncia ni la explica. La entrega directamente al lector, como quien pone algo en la mano sin decir lo que es.

El momento técnicamente más audaz está en el centro: «¡Cuando tu voz cubre de gozo / a esa persona amada!» El verbo «cubre» transforma el sonido en materia. La voz deja de ser ondas y se convierte en algo que envuelve, que protege, que tiene peso y temperatura. Ese desplazamiento de sentido —de lo auditivo a lo táctil— no es decorativo: replica exactamente lo que el afecto hace en una relación. Lo invisible se vuelve presencia física. Y la persona que lo recibe, dice el poema, «lo sueña con la almohada»: la experiencia sensorial no termina al acabar el contacto, sigue trabajando en el cuerpo mientras se duerme.

Del Barrio Estremera corta el poema en dos bloques separados por una línea en blanco. El primero construye la imagen del afecto en movimiento, de quien lo da a quien lo recibe. El segundo —más breve, más directo, de temperatura más baja— funciona como sentencia: «¡Qué no se acabe el afecto / porque se rompe el amor! / Y sin su mimbre, no hay cesto.» Son once palabras y contienen la lógica completa del libro. No es una advertencia sentimental; es una proposición con estructura condicional. Si falta el afecto, el amor cede. Si falta el mimbre, la cesta no existe. La imagen no ilustra la idea: la es.

Lo que distingue a este poema del resto del libro es que no nombra un sentimiento y lo describe: demuestra, mediante el propio movimiento del texto, cómo funciona el afecto. El verso que nombra la emoción —«El afecto es emoción»— no basta sin los colores, sin los tambores, sin la voz que cubre. El poema no puede resumirse porque la suma de sus partes no es igual a su contenido. Eso, exactamente eso, es lo que intenta decir sobre el amor.

Crítica realizada por Ana María Olivares

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Sin zapatos. Myrna L. Betancourt ¡Lo callado, a gritos!

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Sin zapatos

Cuando era niño, nunca faltó a la escuela.
A pesar de un largo camino, fue una lección de piedras.
Mientras otros pateaban las piedras, sus plantas conocían sus nombres;
sus pies le llevaron más lejos de lo que cualquier zapato podría.
Pudo recorrer largos caminos, sin zapatos.
Sin zapatos, camino, solo para aprender.
Sin zapatos, llego a la universidad.
Sin zapatos, sirve en el ejército.
Sin zapatos, enseñó a niños en las aulas.
Sin zapatos, se convirtió en periodista.
Sin zapatos caminó la vida,
la escuela fue el puente que lo rescató,
un sueño al fin presente.
Dio vida a siete vidas con los pies descalzos sobre la tierra,
arraigándome en un propósito,
no en promesas de cuero y cordones.
Su sueño no era tener zapatos,
sino un destino descalzo:
un testimonio de que la tierra
conoce a un hombre no por su calzado,
sino por su alma.
Sus pies desnudos, impactaron al mundo.
Triunfó, y al final del camino,
abrió las puertas a un mar de cajas:
su tienda, un destino,
repleto de futuros viajes,
para pies pequeños,
un legado que el tiempo no mata.
Sin zapatos caminó la vida,
la profesión fue su dulce serenata.
Sin zapatos caminó la vida,
para que nadie más camine descalzo el asfalto,
que quema y lástima.

Myrna L. Betancourt
¡Lo callado, a gritos!

El hombre que no tenía zapatos abrió una tienda de zapatos

El poema arranca en tercera persona, distante y narrativa —«cuando era niño, nunca faltó a la escuela»— pero esa distancia dura exactamente cinco versos. A partir de «Sin zapatos, camino», algo se rompe o se dispara: la anáfora toma el control y el poema deja de contar para demostrar. Son cinco versos en sucesión que acumulan logros sobre la misma base de carencia: universidad, ejército, aulas, periodismo. Cada repetición de «sin zapatos» no describe la pobreza del padre sino que la convierte en palanca. El lector siente el peso de esa cadena antes de entender por qué pesa.

Lo que hace Betancourt con esa anáfora es reemplazar la narrativa por el ritmo. No necesita explicar el esfuerzo del padre —la repetición lo reproduce. El verso funciona como golpe de tambor: hay tensión acumulada que pide resolución, y la resolución llega tarde y en forma de paradoja: «abrió las puertas a un mar de cajas: / su tienda, un destino, / repleto de futuros viajes, / para pies pequeños». El hombre que caminó toda su vida sin zapatos dedicó la última parte de ella a vender zapatos para los demás. La imagen no se explica porque no lo necesita.

Hay una decisión técnica que vale la pena señalar: el cambio de persona gramatical en el centro del poema. Hasta cierto punto, el poema habla del padre en tercera persona —«sus plantas», «sus pies», «su sueño»—. Pero en un verso exacto esa distancia colapsa: «Dio vida a siete vidas con los pies descalzos sobre la tierra, / arraigándome en un propósito». El «arraigándome» es la primera vez que la voz poética entra en el poema en primera persona. No lo anuncia. Simplemente sucede, como cuando uno se da cuenta de que estaba dentro de una historia que creía ajena. Esa infiltración gramatical es el momento en que el poema deja de ser retrato para convertirse en herencia.

El cierre no consuela —recuerda. «Sin zapatos caminó la vida, / para que nadie más camine descalzo el asfalto, / que quema y lástima.» Los dos verbos finales —quemar y lastimar— son físicos, concretos, corporales. El poema que empezó como crónica termina como sensación en la planta del pie. Betancourt sabe que la memoria más resistente no es la que se recuerda con la mente sino la que se guarda en el cuerpo. Y deja al lector exactamente ahí: con los pies sobre el asfalto caliente, preguntándose qué dejaría él para que los suyos no tuvieran que sentirlo.

Ana María Olivares

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